Esordio alla regia di Greta Gerwig, presunta star del cinema indipendente americano, con la storia di una teenager in conflitto con la madre, sullo sfondo dell’America di provincia, nella città di Sacamento, con amici e parenti. Il sogno americano visto da una giovanissima.

Premessa: un film, ambientato nel 2002, che comincia con la seguente battuta (parola più, parola meno) della giovane protagonista: “Che depressione in questo posto! La cosa più eccitante di questo periodo è che siamo in un anno palindromo”, non può non partire con un giudizio positivo. Ma poi…. “Lady Bird” è arrivato con l’onda che precede i grandi capolavori, prima la standing ovation alla sua presentazione al Festival di Toronto, poi l’uscita americana, il record di recensioni positive, infine le cinque nomination agli Oscar, tra cui quella principale come miglior film. Ora, come qualcuno possa soltanto pensare di mettere sullo stesso livello di partenza (cioè le nominations) film come “La forma dell’acqua”, “Tre manifesti ecc…”, “The phanthom thread”, con un film normale come questo, resta uno dei grandi misteri. “Lady Bird” si presenta come uno dei film fondamentali della stagione, ma è subito evidente come non possa reggere questo genere di aspettative: non è particolare, grandioso, delicato o originale. È un film discreto ma estremamente ordinario.

La storia è quella di una pseudo-autobiografia della stessa regista Greta Gerwig, cresciuta a Sacramento nei primi Duemila tra sogni di grandezza, cultura, grandi città e indipendenza. Nel film il personaggio si chiama Christine (l’attrice Saoirse Ronan) che ha scelto per sé il nickname Lady Bird. Christine / Lady Bird fa parte di un gruppo teatrale, soffre la sua famiglia che ritiene poco stimolante dal punto di vista culturale, e non vede l’ora di finire la scuola per andarsene da un luogo che sente penalizzante per la sua crescita, destinazione il college a New York. Invece che limitarsi a raccontare le peripezie amorose e di vita della sua protagonista, la regista vuole rappresentare una magnifica parabola intellettuale, in cui lo spunto dato dalla solita volontà di un’adolescente di non somigliare ai propri genitori e distinguersi per affermare se stessa, diventa poi messaggio per arrivare a parlare dei grandi problemi della vita di questo inizio millennio. Obiettivo che tuttavia il film è ben lontano dal raggiungere. Quello che la regista sembra ignorare è che spesso film di questo genere, che raccontano peripezie di giovanissimi americani, magari più commerciali di questo, sono portatori dell’identico messaggio ma senza gloriarsene troppo.

“Lady Bird” è immediatamente identificabile come un tipico film del cinema americano indipendente contemporaneo, quello in cui i protagonisti positivi sono le voci fuori dal coro (anche se dicono solo fesserie, per stare fuori dal suddetto coro), isolati dalla massa e da cui cercano in ogni modo di allontanarsi nonostante il mondo spinga per l’omologazione; sono quelli che hanno il carattere e l’umore perennemente finto-insoddisfatto e amicizie poco convenzionali (anche se questi amici sono più cretini di quelli che si troverebbero dentro la vituperata massa); sono migliori degli altri solo perché diversi e non omologati.

Come detto, “Lady Bird” è un film autobiografico ma in un modo infantile tipico degli esordi: la regista racconta più o meno la sua storia ma lo fa in un modo che suggerisce al pubblico che si stia rappresentando meglio di come fosse.

Grande (anzi, non esageriamo, diciamo piu’ che discreto) Roman Polanski, come quasi sempre, a 84 anni, anche se qui c’e’ un po’ di gia’ visto: il tema del doppio, la artista che diventa vittima della ammiratrice in stile “Misery non deve morire”. Un film un pelo meno brillante dei recenti “Venere in pelliccia” e “Carnage” dello stesso regista, ma sempre con tracce evidenti del talento di Polanski. E’ la storia di un conflitto al femminile, una scrittrice famosa in crisi che viene letteralmente mangiata da una ammiratrice / ghost writer che la stalkerizza alla grande. Temi classici polanskiani, identità doppie, verità e finzione che s’intrecciano. Le donne in questione sono la solita Emmanuelle Seigner e la magnifica Eva Green. Una gara di bellezza e di bravura.

“ Quello che non so di lei” e’ il ventunesimo film di Polanski, da un adattamento di Olivier Assayas, quello del bellissimo “Sils Maria” e del molto piu’ dimenticabile “Personal shopper”. E infatti anche qui abbiamo due donne impegnate nell’arte della manipolazione. Una scrittrice famosa un po’ sfiorita ed in crisi creativa (Seigner) trova conforto in una scrittrice ghost writer (incarnata dall’inquietante e sensuale Eva Green) che un po’ alla volta le diventa amica, la seduce, la travolge fino a sostituirsi a lei, fino alla deflagrazione drammatica finale.

Romano mette in scena un thriller al femminile sullo sfondo appena accennato di una Parigi grigia, nella prima parte del film, con appartamenti e locali moderni abitati e frequentati da vippame vario e intellettuali in ambito cultura e mass media francesi. Nella seconda parte ci si trasferisce in una casa di campagna dove la scrittrice, ormai competamente tele-guidata dalla amicona, dovrebbe ritrovare la sua vena creativa ma sarebbe stato molto meglio per lei restare a Parigi, e possibilmente da sola.

Da notare che il film comincia con il primo incontro tra le due protagoniste, con la ammiratrice che arriva trafelata e con pochi minuti in ritardo, quando tutti sono andati via, alla presentazione di un libro della sua scrittrice-idolo, dopo che questa ha gia’ firmato centinaia di autografi e dediche ai lettori in fila; dopo qualche insistenza, pur essendo fuori tempo massimo, la ammiratrice riesce ad avere la sua dedica sulla copertina del libro. Ma evidentemente Polanski deve avere qualche problema con chi arriva appena oltre l’ultimo minuto utile: infatti cominciava cosi’ anche “Venere in pelliccia”.

Un film in bianco e nero, oggi: prima e più evidente caratteristica di questo film. Un party, inteso come festa ma anche come partito politico, o corrente di partito. Un aperitivo in casa di Kristin Scott Thomas per sette politici riformisti nella Londra in epoca Brexit. Ma la gioa per la festa della politica dura poco, presto si mescola alla rivelazione di un dramma privato che coinvolge tutti. Un bel film collettivo diretto da Sally Potter, un cast eccellente.

Il film inizia con una pistola puntata contro lo spettatore, in realtà è  contro l’ultimo ospite, che arriva con colpevole ritardo (poi si capira il perchè) all’happy hour poco happy organizzato dalla padrona di casa per festeggiare la sua nomina a ministro della salute nel governo ombra laburista. Bisogna dire che la regista Sally Potter è stata molto furba nelle varie conferenze stampa di presentazione del film: ha detto “tema Brexit” ai britannici, e ha detto “crisi della sinistra” agli italiani, e tutti sono tornati a casa felici e contenti. In realtà tutti i sette invitati al rinfresco corrispondono ad uno stereotipo della sinistra inglese che inevitabilmente risente del crollo del mito di Tony Blair, quindi si tratta piu’ di una sinistra post-Blair che da attuale Brexit.

“The party” è una sorta de “Il grande freddo”, uno sfogo generazionale della sinistra britannica ma in molte delle sue caratteristiche è degno della peggiori performance della sinistra e del mito del ’68 italiano: la casa e la famiglia borghese, l’incontinenza verbale nel parlarsi addosso senza dire nulla di concreto, il rimuginare sugli errori del passato anzichè pensare a costruire una idea di futuro, l’incapacità di capire gli eventi nuovi che il mondo porta, e poi cinismo e ricerca del compromesso a gogo’.

Il film dura poco, settanta minuti divertenti di black comedy. Lo spettatore  sa che la pistola sparerà, anche se all’inizio tutto sembra tranquillo a parte la leggera ansia che assale la padrona di casa prima che gli ospiti suonino alla porta. Il marito (Timothy Spall) pare tranquillo. Un’amica arriva con il marito tedesco (Bruno Ganz), con consigli prodigati a chi non li chiede. Una collega del marito, insegnante, lesbica, esibisce la compagna-trofeo: molto più giovane e incinta di ben tre gemelli. Il modello, ormai abusato, è “Carnage” di Roman Polanski, con l’azione che si svolge tutta in un solo ambiente, condizione ideale per una riproposizione in forma di piece teatrale. Sally Potter dirige un classico intreccio di segreti e bugie: tutto in un salotto, con poche fughe in cucina dove è pronto il catering, tutto in tempo quasi reale, ottimi attori tra i quali spicca Patricia Clarkson, gia’ vista piu’ volte con Woody Allen. Film in bianco e nero forse perché costa meno: ma ipocrisie, perfidie e bassezze umane non pesano sul budget, quindi ce ne sono in abbondanza.

Cinema con la C maiuscola. Siamo solo a marzo ma “Il filo nascosto” è già uno dei film che resterà tra i più belli del 2018.

Dal grande regista Paul Thomas Anderson (PTA da qui in poi), quello di “Boogie Nights”e “Vizio di forma”, un film raffinatissimo sul potere di seduzione, la storia di un sarto inglese che negli anni ’50 veste anche la famiglia reale. L’incontro con una umile cameriera, che riproporrà il solito copione della intensa e devastante storia d’amore tra l’artista e la sua musa, gli farà scoprire il complesso e contraddittorio mistero dei sentimenti. Se davvero questo è l’ultimo film di Daniel Day Lewis (DDL da qui in poi), il cinema perderebbe tanto. Infatti l’anno scorso  Danielino ha annunciato che questo film sarebbe stato l’ultimo della sua carriera come attore. Motivo di tale bizzarro annuncio: l’estenuante cura con cui si dedica alla preparazione di ogni personaggio che interpreta è ormai andata troppo oltre. Infatti al Nostro non basta più essere solo apprezzatissimo dal pubblico: autocritico e intransigente con se stesso, vuole raggiungere livelli di perfezione tali da sfociare nell’ossessione. En passant ricordiamo che l’attore detiene il record di Oscar vinti come migliore attore protagonista: tre, e quest’anno era candidato al quarto che pero’ come sappiamo non è arrivato.

La storia narrata nel film si basa su Reynold Woodcock (DDL), un raffinato sarto/stilista che vive nella Londra degli anni ’50. Il lavoro è l’aspetto totalizzante della sua vita: realizza abiti per sovrane, star del cinema ed ereditiere che si affidano a lui (alla sua arte, al suo mestiere) per tutte le loro occasioni mondane più importanti. Woodcock abita con la sorella Cyril che amministra per lui casa e affari. Le donne per Woodcock, troppo concentrato su se stesso e sulle sue creazioni artistiche, sono solo storie da aprire e poi chiudere al piu’ presto. Reynold Woodcock non ama distrazioni o imprevisti. La sua giornata è programmata interamente con rigore ferreo grazie all’impeccabile organizzazione dettata dalla sorella. Woodcock è un esteta, un elegante uomo di cultura, un dispotico affascinate eccentrico. E DDL ci regala un personaggio davvero immenso. Woodcock ha un rapporto ambiguo con tutte le donne che frequentano il suo atelier. Si circonda di muse, ma le rifugge sentimentalmente stancandosi presto di loro; invece ha un legame di dipendenza dalla sorella. Tutto questo fino al giorno in cui incontra Alma (Vicky Krieps), che da musa diventa sua amante, stravolgendogli completamente la vita. La scena in cui Alma scende a fare colazione a casa di Woodcock e imburra rumorosamente il toast mentre lui sta realizzando i primi schizzi della giornata, finendo per distrarlo, è davvero esplicativa della prima parte del loro rapporto (artista predominante sulla musa) e mostra tutta la rigida creatività dello stilista. Reynold conosce Alma in un ristorante in cui fa la cameriera, prima la seduce con la sua classe, quindi la conduce nel suo studio/atelier casa e bottega, dove lei finisce prigioniera delle sue continue umiliazioni. Ma Alma, a differenza delle altre donne che lo circondano o che ci hanno provato in passato, non ci sta e reagisce. E così trova il modo di trasformarsi da vittima in carnefice, scoprendo il punto d’incontro tra le loro rispettive ossessioni. Un giuoco brutale che prevede il perenne passaggio dal dolore ad una riscoperta dell’amore.

Un film elegante. Non solo perché mette in scena il mondo dell’alta moda londinese anni ’50, che già è tanta roba, ma perché il sarto Woodcock rappresenta l’essenza del classico senza tempo. DDL regge da solo il peso di un film incentrato completamente sul suo personaggio. PTA e DDL ci regalano un’altra opera importante  ma soprattutto un personaggio immenso.

Solo un Gary Oldman spaziale nella interpretazione di Churchill in “L’ora piu buia” ha potuto negare a DDL il quarto Oscar della sua carriera come migliore attore.

L’amore conteso tra due madri, una razionale e l’altra passionale, per la loro figlia ragazzina cui spetterà di scegliere. Nel panorama della Sardegna più selvaggia, si confrontano le interpretazioni di Valeria Golino e di Alba Rohrwacher nel secondo film della regista Laura Bispuri, che si cimenta in questa drammatica storia sul tema dell’amore materno.

Certo che a vedere, in questo film, le performance di queste due attrici, che pure sono (meritatamente) nel gruppetto delle migliori a livello di cinema italiano, solo pochi giorni dopo avere assistito alla ennesima intepretazione galattica di Meryl Streep in “The Post”, viene da pensare che la suddetta Meryl potrebbe citarci tutti per uso improprio della parola “attrice”, e vincerebbe la causa ai paletti.

Come detto prima, “Figlia mia” è l’opera seconda di Laura Bispuri dopo il suo esordio con “Vergine giurata”. Questo, però, dobbiamo dire che è un film abbastanza non riuscito, dove si ritrovano amplificate le abituali difficoltà tipiche della seconda opera di quasi ogni regista. La storia è quella di Vittoria, bambina che a dieci anni scopre di avere due madri: Tina (Valeria Golino), la madre “acquisita”, solida e razionale, con la quale ha vissuto fino ad ora, e Angelica (Alba Rohrwacher), fragile e spaesata, che poi sarebbe la madre vera, biologica. Siamo in Sardegna, in contesto sociale di emarginazione, che riguarda soprattutto Angelica: sentimentalmente labile, sessualmente disinvolta, esistenzialmente uno schifo, cerca di salvare casa e cavalli dallo sfratto, tra una birretta e l’altra. Il racconto del suo alcolismo e del suo disagio è macchiettistico, ovvero la Rohrwacher non è credibile, per tacere della Golino, ancora meno verosimile. Il film narra questo rapporto tri-partisan mamma1/figlia/mamma2, e il momento topico della storia, che secondo la regista dovrebbe essere il punto di discontinuita’ che definisce un prima e un dopo nella vita della povera figlia vittima senza colpe, è quando la piccola Vittoria, in modalita’ spada, entra ed esce da una spaccatura nella roccia che, sempre secondo chi ha pensato questa scena, immaginiamo che vada letta come una vagina. Quindi una metafora, come un ritorno in utero per una nuova nascita simbolica con entrambe le madri…….

Mica tanto bene, in realtà. A casa Muccino non stanno affatto tutti bene. In occasione delle nozze d’oro della coppia Alba (Stefania Sandrelli) e Pietro (Ivano Marescotti), una tribù di parenti si reca sull’isola di Ischia a far festa, si fa per dire. In realtà ciascuno offre il peggio. Più che l’ultimo bacio, stavolta Muccino dà l’ultimo pugno in faccia, ripetendo stereotipi da fiction RAI, in un festival di gelosie, liti, ripicche. Dopo la festa, tutti vorrebbero e dovrebbero rientrare in serata nelle loro città, ognuno con i suoi impegni. Ma un’improvvisa mareggiata blocca arrivi e partenze dei traghetti. La già fragile armonia presto si frantuma e tornano a galla inquietudini, gelosie, tradimenti. E c’è anche un inaspettato colpo di fulmine, mentre il mare in tempesta continua a rumoreggiare per tutta l’isola. “Il mare d’inverno”, cantava Loredana Berté. Qui invece i brani sono tanti, questo film sarebbe potuto essere quasi un musical, i protagonisti hanno imparato a memoria diverse canzoni. Si parte con Gianmarco Tognazzi al pianoforte con “Bella senz’anima“, si prosegue con “Dieci ragazze”, “Margherita”, per passare poi ad “A te“ di Jovanotti, che sottolinea tutta l’incomunicabilità e i problemi mai risolti della coppia Sabrina Impacciatore – Giampaolo Morelli. Muccino lavora con un gruppo di attori, tutti molto bravi, in effetti il cast è quasi il meglio oggi del cinema italiano. Al vortice di isterismi e vecchi rancori familiari riescono a sottrarsi in pochi. Restano gli sguardi un pò in disparte di Elettra (Valeria Solarino), quelli persi di Sandro (Massimo Ghini) che ha perso la memoria, i sogni di fuga verso spazi lontani di Diego (Giampaolo Morelli), di Paolo (Stefano Accorsi) e di Isabella (Elena Cucci). Ma la mareggiata sembra portarsi via tutto. E quando si comincia ad affezionarsi a qualcuno dei personaggi, il film è quasi finito.

Dopo “L’ultimo bacio”, “Ricordati di me” e “Baciami ancora”, con questo “A casa tutti bene” Muccino chiude la tetralogia di un cinema familiare sull’orlo di una crisi di nervi. Pure, con questo film il regista rispolvera il metodo “Ettore Scola” (“La terrazza”, “La famiglia”) con tanti personaggi, e attori famosi, chiusi in un unico luogo, all’interno del quale si creano i conflitti, dove l’istinto prevale sulla ragione, come negli scontri tra Carlo (Pierfrancesco Favino) e Ginevra (Carolina Crescentini).

Come detto, non stanno tutti bene i personaggi di Muccino. Anzi, stanno tutti peggio, pieni di collera e di astio. In questo versione nostrana de “Il Grande freddo”, tutti sono contro tutti. Spesso il cinema serve per evadere dalla realtà, per sognare; oppure per vedere anche il nostro presente, la nostra realtà che non ci piace, ma ci piace nel film, se paragonata alla terribile negatività della storia che vediamo. Dopo un film come “A casa tutti bene”, la nostra vita di tutti i giorni diventa meglio del cinema. E non la vita facile e fatta di piaceri, ma proprio quella piena di seccature. Se si riesce a fuggire da Ischia, anche a nuoto, pure una martellata sulle dita può diventare improvvisamente un sollievo.

Dopo “Io sono l’amore” (molto bello) e “A Bigger Splash” (meno bello), Luca Guadagnino completa la sua trilogia sui ricchi in amore con questo film che è stato candidato all’Oscar come miglior film, categoria assoluta, ed ha vinto quello per la migliore sceneggiatura non originale. Il regista narra l’innamoramento di un 17enne per un allievo del padre, docente universitario. Estate italiana di meta’ anni ’80, l’ovatta della borghesia colta ebraica rischia di spaccarsi ma alla fine tiene: da vedere.

È una storia d’amore, ma è anche il racconto di una vacanza estiva, la scoperta di un diverso se stesso, l’utopia di un mondo più accogliente, la descrizione di una atmosfera. Attori più che buoni anche se per niente star affermate.

Ambientato nell’estate del 1983, nella campagna nei pressi di Crema,  il film racconta l’arrivo di un estraneo, il ricercatore universitario americano Oliver (Armie Hammer), all’interno di una comunità rilassata e vacanziera; tale presenza estranea offre a ognuno dei protagonisti l’occasione per scoprire o rivelare qualcosa di sé. È un’abitudine dei padroni di casa, il professor Perlman (Michael Stuhlbarg), professore universitario e archeologo, e sua moglie Annella (Amira Casar), invitare ogni estate un dottorando per poter lavorare tranquillamente, docente e allievo, in quella cornice di vacanza di campagna. Anche il figlio Elio (Timothée Chalamet), ragazzo di grande preparazione musicale e letteraria, si mette a disposizione dell’ospite insieme con amici e amiche che bazzicano la tenuta di campagna della famiglia.

La storia, sceneggiata da James Ivory a partire dal romanzo omonimo di André Aciman, continua con l’attrazione delle ragazze per il nuovo affascinante arrivato, l’irritazione di Elio per i suoi comportamenti fin troppo disinvolti, lo stallo dei genitori padroni di casa per una presenza esterna che intuiscono destinata ad accendere passioni. Poi il film segue i turbamenti di Elio alle prese con l’esplosione della sua sessualità, all’inizio per l’amica Marzia e poi per Oliver. E da qui la storia deflagra fino alla fine.

A parte una scena con una pesca matura che fa un po’ schifo, possiamo dire che Luca Guadagnino riesce a non scadere nella scabrosita’, anzi realizza un’opera abbastanza sobria. Proprio questa è parte della forza del film, nella voglia di mostrare dolcezza e non scandalo. Per questo il film va oltre la classica «storia d’amore», perché mescola le voglie del sesso con il piacere dell’estate, la scoperta del proprio desiderio con la sua accettazione. Gli zii che a tavola si accalorano per il governo Craxi e il pentapartito, le domestiche che parlano di Resistenza, la lettura del quotidiano “Le Monde” (in una famiglia italiana !) sono tutti momenti che vorrebbero introdurre una parallela visione sociale di quegli anni ma il film lascia che il mondo esterno non turbi un’estate che i suoi protagonisti non dimenticheranno mai.

Comunque, pur in presenza di una opera piu’ che buona e di un regista italiano in forte ascesa dopo anni di gavetta, è corretto affermare che se i film concorrenti all’Oscar erano quelli che erano, è giusto che “Chiamami col tuo nome” non l’abbia vinto.

C’è talmente tanta acqua in questo film che potrebbe essere il remake de “L’era glaciale” girato in epoca di effetto serra. Comunque meritato l’Oscar appena vinto come miglior film. E poi quello come miglior regista, in mezzo peraltro a 13 nomination. Una donna, muta, addetta alle pulizie in una struttura di spionaggio americano a Baltimora, scopre in un laboratorio una maxi creatura anfibia nascosta, la ama e se la porta a casa. Un film pseudo – horror con romantica love story di straordinaria potenza visionaria. Da vedere. Si resta incantati davanti a tanto amore per il cinema. Guillermo del Toro ama i mostri, ne ha sempre avuto una passione, per quelli del cinema e della letteratura, da tempo colleziona vecchi manifesti e statuette, come confessato pochi mesi fa a Venezia quando vinse anche quella Mostra con questo film, in cui ne fabbrica uno, di mostro, estremamente affascinante. Nel tempo ci sono state diverse variazioni sul tema della Bella e la Bestia, all’elenco mancava in effetti la creatura anfibia con le squame, che deve seguire dieta proteica, uova sode a gogò, manco fosse un culturista. Siamo nel 1962, piena Guerra fredda. Stati Uniti e Unione Sovietica cercano di prendere il sopravvento uno sull’altro in ogni ambito, chi manda la prima cagnetta nello spazio, chi il primo uomo. Quindi anche un mostro anfibio pescato in chissà quale fiume, che potrebbe nascondere segreti scientifici e potenziali applicazioni, può diventare oggetto di contesa, almeno da studiare segretamente. Infatti i sovietici, con le loro spie dentro il laboratorio, vorrebbero rubare l’umido cimelio. I “cattivi” tra gli americani, dopo avere torturato il mostro, studiato le sue funzioni vitali per scopi forse scientifici, sono pronti ad ammazzarlo.

Elisa la muta, come detto, è una fanciulla che fa le pulizie in questo lab di Baltimora. L’attrice è Sally Hawkins (era la sorella povera e provinciale di Cate Blanchett in “Blue Jasmine”). Accanto a lei lavora di straccio e scopa, e parla per due, per sé e per la muta, la linguacciuta Octavia Spencer. Succedono tante cose, la trama pare semplice, ma si resta avvinti dalla storia. I dettagli della stanza della ragazza solitaria, l’appartamento del vicino che fa il disegnatore, il cinema di periferia, sono squarci che descrivono l’America di semi-periferia anni ’60.

Guillermo del Toro svela un animo romantico al cubo. Sottotrame, metafore, morali si sprecano. Una fiaba, un po’ “La sirenetta”, un po’ horror. C’è sempre qualcuno, in qualche parte del mondo o di altri mondi, disposto ad amarti e ad essere amato. Al limite, occhio all’umidità.

Il vero protagonista di questo film è il giornale, il quotidiano, la stampa indipendente. Prima del Watergate, in ordine cronologico, altro brutto capitolo americano della politica della bugia, coi Pentangon Papers con cui quattro presidenti USA mentirono sul Vietnam. Ma al Washington Post c’era un’editrice troppo in gamba (Katharine Graham, interpretata da Meryl Streep che oramai non si può più definire soltanto immensa, è semplicemente fuori categoria) e un direttore altrettanto tosto (Ben Bradley, ottimo Tom Hanks nella parte) e così il regista Steven Spielberg può realizzare un altro ottimo film di matrice civile.

“The Post” racconta una storia nella storia: quella della stampa americana  che vuole essere libera di fare le proprie inchieste senza preoccuparsi degli interessi del potere, e quella di una donna che cerca la propria affermazione in un mondo di soli maschi. Con questo film Spielberg ricostruisce i giorni del 1971 in cui Katharine Graham si trovò a scegliere cosa fare per l’industria di famiglia, cioè la casa editrice che pubblicava il Washington Post, che lei si era trovata a dirigere dopo la morte del marito. Il nodo del contendere era il diritto o meno di pubblicare i cosiddetti Pentagon Papers, cioè il rapporto top secret di migliaia di pagine  che l’ex Segretario della Difesa Robert McNamara aveva fatto redigere per ricostruire la politica americana circa l’intervento militare in Vietnam, sulla quale i presidenti americani dell’epoca avevano occultato la verità, per nascondere la tragedia in cui si mandavano a morire migliaia di giovani. Questo materiale cartaceo viene fatto prima arrivare, parzialmente, al giornale rivale New York Times, innescando la gelosia professionale del direttore del Washington Post, Ben Bradlee, deciso a scovare l’intero rapporto per pubblicarlo. A questo punto il direttore è affiancato dalla apparentemente inesperta editrice; la chiave del film che rende ancora piu’ appassionante il racconto dell’inchiesta è il travaglio della signora che deve decidere che cosa fare e che cosa pubblicare. Grandi dubbi da parte sua, non solo perché la politica fa di tutto per ostacolare il lavoro dei giornalisti, ma perché la signora Graham si trova in una sorta di conflitto, interiore piu’ che di interessi, avendo da sempre frequentato i salotti della Washington bene, compresi presidenti, politici e lobby varie. Allora vediamo incontri riservati nella casa della Graham o negli uffici del giornale, nei quali la protagonist é dapprima titubante, poi sempre più decisa e coinvolta. Come detto, Meryl Streep è grandissima nel rappresentare i dubbi del suo personaggio, fino alla apoteosi finale, quando tutti le riconosceranno quella importanza e potere decisionale che per una donna, all’epoca, non era cosa così scontata. Grande anche Tom Hanks, che interpreta il ruolo di un giornalista-top che di fatto prepara il giornale a quello che sarà il successivo scoop del Washington Post, l’affare Watergate.

Dicevamo, protagonista il giornale. Bellissime le scene in cui si vede l’intera catena di fabbricazione di un quotidiano all’alba degli anni ’70: le macchine per scrivere, i telefoni a gettone, le linotype con il piombo fuso per stampare i caratteri. Non c’erano telefoni cellulari, niente WhatsApp, niente siti on-line e rassegne stampa su Internet. Si vede quindi il direttore che aspetta l’alba davanti a un’edicola per potere leggere uno scoop sul giornale rivale. E quando la Corte Suprema emette la sentenza che permette al giornale di pubblicare i Pentagon Papers, niente diretta SKY, l’unico modo di sapere che cosa sta succedendo è un cronista sul posto che telefona in redazione, e ripete la celebre frase della sentenza: «La stampa è al servizio di chi è governato, non di chi governa». Potremmo dire che Spielberg insiste tanto su tutti questi particolari proprio per fare della stampa di un quotidiano il vero protagonista del film, come detto all’inizio. Bella la scena in cui migliaia di copie del Washington Post fresche di stampa, e di scoop, si innalzano verso il soffitto sui nastri trasportatori, destinate ai camion pronti a partire verso le edicole.

Una emozione grande del film è quando alla fine di un braccio di ferro carico di pathos, il direttore Bradlee ottiene il via libera dalla proprietaria / editrice e telefona in tipografia per far partire la rotativa; a quell punto tutte le scrivanie, le sedie e i barattoli di penne degli uffici redazionali tremano, perché così era allora, si stampava nei sotterranei facendo letteralmente vibrare le redazioni, con macchinari che occupavano interi stanzoni e facevano un rumore infernale. Oggi nelle redazioni è tutto digitale, più efficiente ma meno romantico, si è passati dal piombo fuso ai bit, dalle veline ai tweet.

Un altro filmone. Nel pieno della seconda Guerra mondiale, il primo ministro inglese Winston Churchill chiama la nazione intera alla solidarietà, riesce a salvare i soldati inglese bloccati a Dunkerque, e alla fine é un trionfo. Alcuni momenti cult (il viaggio nel metro’ con annesso bagno di folla) nella grande prova dell’attore Gary Oldman.

Una lezione anche di storia, non c’é solo History Channel per questo, e di amor patrio. Parole pubbliche in Parlamento, oppure biascicate in privato da Winston Churchill, primo ministro appena eletto a cui subito i nemici misurano il tasso alcolico: whiskey a colazione, una bottiglia di champagne a pranzo e una a cena, brandy per finire la serata. Poi, nei discorsi radiofonici che inizialmente tanto spaventavano il sovrano Re Giorgio VI, Churchill ritrovava la grinta oltre che il senso dello stato e delle imprese impossibili. Indeciso se rischiare l’olocausto dell’esercito inglese accerchiato a Dunkerque per perseguire il dovere della resistenza oppure dichiararsi perdenti, arrendersi e accettare di trattare una “pace” con Hitler. Dall’altra parte del fronte nemico infatti c’erano i nazisti, con cui non era il caso di scherzare ma neanche di trattare una pace umiliante (come erano tentati di fare anche i francesi). E 300 mila soldati dell’esercito britannico, come detto, erano prigionieri a Dunkerque. Il regista Joe Wright ambienta a Londra, nelle stanze del potere e in quelle di casa Churchill, questa narrazione storica dei venti giorni che decisero le sorti dell’Inghilterra e di conseguenza delle democrazie occidentali: vediamo Churchill dettare la corrispondenza dal letto, mentre fa una colazione che solo a vederla, allo spettatore in sala si alza il colesterolo. Lo vediamo in vestaglia, mentre battibecca con la moglie  Clementine, l’attrice Kristin Scott Thomas. Vediamo il primo ministro  con i suoi sigari e i suoi scatti di rabbia, e il segno della vittoria fatto con indice e medio della mano, anche in modo sbagliato. Irriconoscibile per il trucco, Gary Oldman é perfetto nella parte e calato nel personaggio, candidato all’Oscar come migliore attore protagonista (e statuetta praticamente gia’ ipotecata).

“Una nazione che si arrende non si riprenderà mai, una nazione che non si arrende, anche se perde, prima o poi si rialzerà. Noi non ci arrenderemo mai.” Cosi’ disse Churchill al parlamento inglese.